10 CDs de 2010 (5): Danú - Seanchas

2010, Doon Productions, 11 temas, 47 minutos.

1-An Staicin Eornan (Song)
2-The Glen Cottage, John Brosnans, Peata An Mhaoir (Polkas)
3-Cailin na nUrla Donn (Song)
4-Snug in the Blanket, Patsy Geary's (Jigs)
5-The Boys Of Barr Na Sraide (Song)
6-Murphy's Hornpipe, Lord Gordons (Hornpipe, Reel)
7-Malai na gCuach Ni Chuilleannain (Song)
8-Fiona's Arrival, O'Connells Trip to Parliament (Jig, Reel)
9-Clancy's Farewell To Whiskey, An Dro des Petits Bateaux (Air, An Dro)
10-Never Tire Of the Road, The Green Fields Of America (Song, Reel)
11-Apples In Winter, The Frost is All Over (Jigs)

Cinco años sin que los irlandeses Danú grabaran un trabajo nuevo. Cinco años en los que hubo noticias de la posible disolución del grupo, que lleva en activo desde 1995, durante los cuales pudimos ver a varios de sus miembros en proyectos alternativos (Eamonn Doorley junto a su mujer Julie Fowlis, la cantante Muireann Nic Amhlaoibh con estos dos últimos y Ross Martin en el proyecto Dual y Oisin MacAulay con su genial cd en solitario Far from the Hills of Donegal). Sin embargo, muchos nos alegramos de ver que el grupo sigue con fuerza, y más aún viendo el estupendo trabajo autoproducido que han realizado en Seanchas.

Benny McCarthy (acordeón), Muireann Nic Amhlaoibh (voz, whistle), los hermanos Eamonn (bouzouki) y Tom Doorley (flauta), Donal Clancy (guitarra), Oisin MacAulay (violín) y Donnchadh Gough (voz, bodhran) son la formación que se mantiene desde el trabajo anterior del grupo. El cd contiene cinco canciones y seis temas instrumentales y salió el pasado mes de Noviembre, a pesar de que estaba previsto para Mayo.



Seanchas es un trabajo redondo, que demuestra la total madurez de un Danú que, si es que había alguna duda antes, tiene un lugar reservado entre los clásicos en el futuro. Y clásicos son, pues han adoptado una especie de política de retorno a temas míticos, como pueden ser dos tremendas versiones de canciones: The Boys of Barr na Sraide, que muchos conocemos a través de Niamh Parsons, o el genial Never Tire of the Road, popularizado por Andy Irvine. Pero no se quedan ahí, interpretando temas de toda la vida como Peata an Mhaoir (recordando a Begley y Cooney), Patsy Geary's, Apples in Winter, The Frost is All Over o Lord Gordon's. Clásicos sin ser repetitivos, hay una gran virtud a la hora de escoger los temas. Y danú cubre casi todos los palos: jigs, reels, hornpipes, polkas, canciones en inglés y en gaélico e incluso un An Dro precioso, An Dro des Petits Bateux, que a unos cuantos ya nos había llegado a través de un vídeo en Youtube de los hermanos Doorley. No es la misma versión del set, pero merece la pena verlo.



Como siempre, en plena forma y totalmente recomendable. El cd se puede adquirir directamente del grupo por unos 16 euros, y en otros sitios online como Amazon.co.uk.

Cds: Blima - Express

Tierra Discos, 2010. 10 temas + 1 bonus track.

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Blima en Myspace

Con unos cuantos cambios en la formación de este grupo, que ahora se convierte en quinteto, aparece Express. 11 temas en los que Marcos G. Alonso (acordeón), Fernando Oyágüez (guitarra), Gonzalo Pumares (violín), Mapi Quintana (voz) y J.C. Vega "Cabín" (contrabajo) tratan de dar una vuelta de tuerca a lo que hicieron en Entamu hace ya unos años.

Entre cambios nos encontramos con que lo único que sigue siendo igual que en el anterior cd es es acordeón de Alonso, ya que Oyágüez se pasa del bouzouki a la guitarra y el resto de los músicos son todos nuevas incorporaciones (aunque Cabín ya colaboró con el grupo en el anterior trabajo). Por supuesto, la mayor novedad es la voz de Mapi Quintana, proveniente del jazz, pero con mucho trasfondo también en la música tradicional. El cambio de cantante después de que Silvia Quesada dejara Blima ocurrió ya en la fase de preproducción de los temas, por lo que todos los temas cantados estaban preparados para la voz de Silvia y no para la de Mapi. Eso se notó en el resultado final, a pesar de el excelente trabajo que realizó Mapi con las canciones. Sin embargo, y escribiendo esto después de ver el concierto de presentación del disco, se ve que Quintana ha ido adaptándose a las canciones (y adaptando las canciones a su voz) y su labor en directo es claramente superior a la del cd, que tampoco es nada desdeñable.

Instrumentalmente el grupo se ha movido hacia un estilo más experimental, que en momentos va más en busca de paisajes musicales que de melodías específicas y que recuerda en ocasiones al trabajo de grupos como LAU (y sólo en parte debido al hecho de que la instrumentación sea prácticamente igual). El resultado es un cd bastante ecléctico, que se abre con Onde la Mar, una versión de un tema de Balandrán, y que contiene también una versión del mandolinista Mike Marshall en Pleasant Pheasant, con un planteamiento similar al de un saltón asturiano. Hay juegos cercanos a la música pop con Señaldá, con un estribillo tremendamente pegadizo, y un montón de temas instrumentales, muchos de ellos compuestos por Alonso u Oyágüez, otro compuesto por Rubén Bada y unos cuantos temas tradicionales, entre los que destaca el particular tratamiento que el grupo da a la Jota de Tresmonte en L'Ascensor. Y el cd se cierra con 7 Pallabres, una canción en la que la instrumentación normal del grupo se ve acompañada por trombón, trompeta, xilófono y programaciones. Un final genial.



Además de los 5 miembros de Blima, el grupo ha contado con la colaboración de Juanjo Díaz (udu y shaker), Senén Fernández (batería), Xurde Fernández (flauta), Jacinto Garrafón (guitarra eléctrica y programaciones), Toño Gómez (trombón), Miguel Herrero (fliscorno y trompeta) y el escocés Martin O'Neill (bodhran). El cd fue grabado en TUTU Estudios con Sergio Rodríguez y Ruboh. El diseño, a cargo de Ruma Barbero, es realmente curioso. El cd viene en un pequeño paquete postal de cartón, bien cerrado y con espacio para ponerle un sello y mandarlo por correo (suponemos que por correo express). Dentro viene otra pequeña carátula con el cd y el libreto. El motivo gráfico principal es un burro que aparece en fotos y dibujos en carátula y libreto.

Y en directo el grupo está en plena forma, con los instrumentos melódicos sincronizados casi milimétricamente (si es que podemos hablar de distancias en música) y la voz de Mapi haciendo suyos temas que a priori parecían no ser lo mejor para ella. Esta mujer no deja de sorprendernos.

Una pequeña muestra de la presentación en directo el pasado sábado.

10 CDs de 2010 (4)

Lo que hoy nos ocupa no es un cd en el sentido estricto de la palabra. Con sólo 5 temas, podemos considerar el trabajo de presentación de Stolen Notes más como un EP que como un cd. 5 temas solamente, pero 5 temas (y un bonus track) de tremenda calidad.

Repitiendo lo que decíamos al hablar de los Boys of the Hills, antes era bastante raro encontrar grupos españoles haciendo música irlandesa de forma que no desmereciera al trabajo de los más populares artistas de la isla verde. Stolen Notes, cuarteto de Sevilla, da una vuelta de tuerca al tema y demuestran ser perfectos seguidores del estilo de grupos como Lúnasa o Dervish. Todos los miembros de Stolen Notes han crecido musicalmente de la forma más adecuada para hacer este tipo de música: en sesiones. Este no es un grupo de colegas que se juntan para tocar "algo celta". Stolen Notes es una banda de música irlandesa moderna y no tiene nada que envidiar a ningún grupo de la Península (ni a muchos de fuera).

Desde Andalucía, Stolen Notes tiene el reto de adentrarse en la música tradicional irlandesa, y en la de otros países del Arco Atlántico tales como Escocia, Asturias o Bretaña, para "robar" de sus notas y alimentarse de su esencia y espíritu.



Alejo Parra (uilleann pipes), Juan J. Almaraz (flauta de madera), José Moreno (bodhran) y Juan Manuel Redondo (guitarra) no caen en lo típico a la hora de escoger los temas, sino que apuestan por algunos temas que podemos decir que son a la vez clásicos pero no del todo típicos (Man of the House, Major's Harrison's Fedora, Monaghan Jig) y también nos muestran de lo que son capaces a la hora de componer, con temas de Almaraz y Redondo.

A este nivel podemos destacar un excelente arreglo del famoso tema Fleur de Mandragore (de Michel Bordeleau, antiguo miembro de La Bottine Souriante), que Almaraz adapta a ritmo de vals con un gusto excepcional, y la composición de Redondo, The Last Summer, que sirve para acabar el EP de forma tan tranquila como soberbia.

Jigs, reels, valses, un strathspey y un 7/8 que se hacen cortos y nos dejan con ganas de un cd "normal" que esperemos que no se haga esperar mucho. Mientras tanto, el EP se puede conseguir a precio de risa, 7 euros incluyendo gastos de envío a España, desde la página de Stolen Notes.

10 CDs de 2010 (3)

Hace unos años no era nada raro encontrarse con grupos que hicieran música irlandesa en la Península, pero normalmente pasaba algo relativamente parecido a lo que pasa con muchos de los grupos que hacen música irlandesa en USA: parecía que faltaba la conexión "real" con la tradición. Salvo en contadas excepciones, los temas tenían un algo que hacía que parecieran "falsos". Es una cosa muy difícil de explicar, normalmente era cuestión del fraseo, de los temas elegidos... algo no encajaba, al menos desde el punto de vista tradicional.

Pero parece que la cosa ha cambiado. Vamos ahora con el primero de dos grupos en los que, de dos formas totalmente diferentes, esto ya no pasa.

Desde Madrid llegan los Boys of the Hills, un grupo a medio camino entre muchos sitios. El el cd homónimo publicado en 2010 nos encontramos temas instrumentales, canciones, guiños a The Pogues y a The Chieftains y toques de bluegrass en una banda que sin duda debe de ser realmente entretenida en directo en un ambiente de pub. Los hermanos Carbonell, Álvaro (banjo, mandola, arpa, acordeón, coros) y Jesús (gaita irlandesa, whistle, armónica), Alex Torcida (flautas, whistle), Blanca Agudo (percusiones, voz), Sergio Suárez (guitarras, voz) y Alberto Téllez (bajo fretless, coros) son los miembros de la última encarnación del grupo.

Los instrumentales del disco no tienen mucho que envidiar a nivel técnico a los grupos de fuera y es gracioso el guiño típoco a los Chieftains en el último tema, más una suite que un set, con todos los músicos haciendo un solo cada uno y volviendo a una misma melodía entre uno y otro, tan típico de los míticos irlandeses.



Un cd desenfadado, una grabación de calidad con canciones tan míticas como Dirty Old Town o Wild Mountain Thyme. Se echa de menos un poco más de información sobre los temas, en la carátula sólo aparecen los títulos, pero no sabemos nada de los temas individuales que componen los sets ni los autores (tampoco está la iformación en la web del grupo).

El que quiera música de fiesta, ya sabe dónde encontrarla. Y el que quiera ver la carátula más detenidamente, puede ver el vídeo del "unpacking" que ha hecho el grupo, como si de un aparato tecnológico se tratara :-)

10 CDs de 2010 (1 y 2)

Termina un año que nos ha dejado unos cuantos buenos cds. En múltiples páginas y blogs se suceden estos días las típicas listas de "Los 10 mejores...", "los 10 peores..." y similares.

Considerando que la música es un tema extremadamente objetivo (al menos para mí), sería un poco injusto hacer una lista de los 10 mejores cds del año. A lo más serían MIS 10 mejores cds, y probablemente reflejarían sólo mis gustos en el momento preciso de hacer la lista (y mis gustos cambian cada poco, afortunadamente). Si bien la lista sería interesante hasta cierto punto, decidí hacer esto de una forma diferente.

Lo que sigue es una lista de 10 buenos cds publicados en 2010. No son necesariamente los mejores, pero sí que son muy interesantes por diversas razones. De paso, aprovechamos para comentar brevemente unos cuantos de los cds que se nos quedaron en el tintero con el parón de la página. Son 10 buenos cds de música folk publicados en 2010. Sin ningún orden particular...

1. Dave Wood & Mike Vass - Wait What?

Wood y Vass son dos componentes del grupo escocés Malinky, o lo eran en la fecha de publicación del cd, desde entonces Vass ha abandonado el grupo. Vass (violín) y Wood (guitarra, bouzouki) interpretan 9 pistas de música instrumental producidos por Damien O'Kane, que se une aportando guitarras, banjo y la voz en un tema, con invitados para la percusión y el contrabajo. Los temas son una ejemplar selección de composiciones de Vass, temas tradicionales y composiciones de otros músicos (Diarmuid Moynihan, Gordon Duncan, John McCusker, John Morris Rankin, Calum MacCrimmon, William McDonald). El set que se puede escuchar debajo es un gran ejemplo de la música de estos dos, terminando en el tremendo Michael Rankin's, de JM Rankin, que a unos cuantos años ya de su fallecimiento se ha convertido en uno de los compositores más populares de música para violín escocés.

Mike Vass publicó hace poco también su cd en solitario String Theory, que se puede descargar gratuitamente desde su web.




2. Duncan Chisholm - Canaich

Seguimos con violín desde Escocia con uno de los violinistas con toque más característico. El estilo impecable y perfectamente reconocible de Chisholm sigue presente en su último trabajo, que quizá es un poco corto de duración pero desde luego no de calidad. Además de Chisholm al violín, el cd cuenta con la presencia de gente como Tony Byrne (guitarra), Ali Hutton (whistle), Gerry O'Connor (banjo), Ingrid Henderson (voz) y con otros dos violines, los de Patsy Reid e Ian MacFarlane. Es un cd muy tranquilo en general, reflejando perfectamente el carácter de Duncan. Contiene temas de Donald Shaw, el omnipresente Gordon Duncan, Michael McGoldrick, Gary innes, Phil Cunningham, Nial Vallely o Alan MacDonald, entre otros, además de una composición del propio Chisholm y un solo tema tradicional.

Como nota interesante es curioso ver el tratamiento de los temas, que normalmente estamos acostumbrados a encontrar en forma de sets de tres o cuatro. En este cd Chisholm elige darles a muchos de ellos un tratamiento individual, o a lo más de dos en dos. Esto hace que los temas tengan que desarrollarse de una forma diferente, pero también da lugar a temas más cortos, con un buen número de pistas en torno a los 2 minutos. El tema más largo del cd es un set de 3 piezas, pero todos los demás son temas individuales (8 pistas), o sets de 2 temas (3 pistas). Una producción excelente de Brian McNeill.

Cds: Solas - The Turning Tide

Las cosas cambian bastante. Hace más de 14 o 15 años no tenía la facilidad de hoy para conseguir música nueva. Internet daba sus primeros pasos , pero todavía no teníamos acceso real a lo que se ha convertido en la superautopista de información de hoy en día. Entonces, un disco o cd nuevo era la bomba. Había que depender de las pocas tiendas que tenían música de este tipo, que se arriesgaban con ello, o de los amigos que hacían viajes fuera.

En esas fechas, más o menos, escuchabamos los primeros cds de grupos revolucionarios como Solas y se nos volvía el cielo del revés. Hoy, con acceso a casi toda la música que queramos, estos grupos siguen teniendo su status de consagrados... pero sus cds... quizá no tanto.

Y no es que lo hagan mal, ni mucho menos. Siguen en forma. El problema es que algunos nos hemos acostumbrado a ellos y, por otra parte, el grupo se ha autoencasillado en su papel.

The Turning Tide (2010, Compass Records) es el décimo album de Solas, que siguen haciendo música irlandesa desde USA a muy buen nivel. La calidad instrumental del grupo es intachable y los sets instrumentales siguen totalmente la estela creada por los anteriores trabajos. Y ese es exactamente el problema que tengo con este cd. No sorprende para nada. Si a eso le añadimos que la voz de Mairéad Phelan me resulta un tanto neutra y que de los temas cantados no destaca ninguno nos encontramos con un cd bueno, muy correcto, pero que no pasa de ahí.

Si tuviéramos una lista donde fueramos comprobando si todos los clichés que el grupo practica últimamente se cumplen la tendríamos llena de crucecitas: Tema en amalgama o 7/8 (X), tema tranquilo en modo menor de los que le gustan y/o compone Winifred Horan (X), Seamus Egan tocando reels frenéticos con guitarra de cuerdas de nylon (X), escarceos con el country (X)...

Los que hayais seguido el grupo desde sus inicios incluso podéis comprobar que en la versión en modo menor de The Boys of Malin que tocan en The Crows Set el resultado de una de las partes es exactamente igual que la versión de Tom Doherty's que ellos mismos hacen en el cd The Words that Remain.

¿Y eso es malo? No del todo. El que escuche al grupo por primera vez se encontrará con música excelente. Pero los que ya estamos acostumbrados parece que pedimos algo más. El grupo cumple con creces y hace un trabajo más que digno, pero a unos pocos la diversidad y enorme cantidad de música a la que podemos acceder nos hacer buscar otra cosa. Y ese es nuestro problema (el mío en particular). Solas sigue siendo uno de los mejores grupos a nivel mundial, pero ya no es de los más originales.

Y siempre queda algo que recomendar. En este caso es una interesante versión del tema Sorry, de la escocesa Karine Polwart. Si os gustaba Solas antes, os seguirá gustando.

CDs: Kris Drever - Mark the Hard Earth

2010 Reveal Records. 11 temas.

Resulta tremendamente fácil hablar bien del trabajo de una persona a la que conoces personalmente, aunque sólo sea de pasada. La tentación de olvidarse de la objetividad y simplemente alabar el trabajo de aguien al que aprecias personalmente y con el que has compartido momentos interesantes musicalmente hablando. Y es que las dos veces que el grupo LAU, del que Kris Drever es parte, han venido a tocar a Asturias las noches acabaron en un pub, tocando música hasta las tantas (y sacando fotos con un pollo de goma, pero eso no viene el caso...)

Así, no ser objetivo sería muy, muy sencillo. Al fin y al cabo uno quiere que le suceda lo mejor a la gente que aprecia. Sin embargo, en este caso no voy a tener problemas de conciencia. Mark the Hard Eath, el segundo cd del cantante y guitarrista escocés Kris Drever, es tan condenadamente bueno que hubiera dicho lo mismo de él si el autor fuera el tipoque peor me cae del mundo.

Mark the Hard Earth se aleja ligeramente de la linea de BlackWater, el cd anterior, que estaba más cerca de lo que normalmente hacen otros músicos de folk del arco atlántico. Este cd es un cd más ecléctico, más personal. En cierta manera, refleja mejor la personalidad y la evolución musical de Kris. El material va desde una pieza tradicional escocesa hasta temas con influencias de la música de raiz americana.

Si al excelente material le añadimos una serie de músicos excepcionales el resultado es un disco que pone el listón muy alto y que es un firme candidato al mejor cd del año 2010. El disco está producido por John McCusker, que por supuesto pone además violines y arreglos y entre los colaboradores se encuentran Ewen Vernal y Donald Shaw de Capercaillie, el genial guitarrista Ian Carr, Phil Cunningham, Andy Seward, Roy Doods, Heidi Talbot y especialmente Tim O'Brien, cuya presencia se hace notar a lo largo del cd.

Para hablar de favoritos personales probablemente tendría que ir mencionando casi todos los temas del cd, pero vamos a conformarnos con Shining Star, una canción del genial Sandy Wright, The Call and the Answer, de Phil Colclough y que ya cubriera en su día De Dannan, y The Crown of London, escrita por Duncan Drever, hermano de Kris.

Un cd variado y excepcional. Absolutamente recomendable para casi cualquier persona que aprecie la buena música.

Cds: Guidewires - Live

2009; Guidewires Music, 12 temas, 60 minutos.

Cuando se lee la información de publicidad sobre Guidewires se da uno cuenta del tremendo potencial que tiene este grupo. Sólo viendo los nombres de los músicos, el panorama es cuando menos impresionante. En la parte melódica tenemos a Padraig Rynne, quizá de lo mejor que existe en el mundo de la concertina (si no te llamas Niall Vallely), al flautista bretón Sylvain Barou, que está a la cabeza de la última generación de grandes flautistas a nivel internacional, y al violinista Tola Custy, curtido ya en mil grupos e historias. Redondeando la banda está el Paul McSherry, cuyo estilo a la guitarra fue una de las mayores influencias existentes a la hora de dar forma al estilo de folk acústico en Asturias, por ejemplo, y el bouzoukista Karol Lynch, que no es tan conocido como el resto de los músicos, pero que si se puede codear con ellos no puede ser malo en absoluto.

Juntar a estos cinco monstruos musicales para grabar ya parece un asunto más que interesante. Si la grabación es en directo, no por pistas, donde no hay claquetas ni ataduras y los músicos se pueden transmitir el feeling del momento y perderse un poco en la conciencia colectiva del grupo, el cd ya no es solamente atractivo, es una necesidad para el aficionado experto.

Y esto es sólo la teoría. El resultado es todo esto y más.

Con el disco y el libreto en la mano nos encontramos con una selección de temas que se nota que está hecha por un grupo de personas con un conocimiento muy extenso de la música más tradicional y también de la de nueva composición en estilo tradicional. Y es que si somos dados a escuchar mucha música folk de diversas procedencias la impresión que nos deja la selección de temas es que han ido cogiendo lo mejor de casa. Además de composiciones de los miembros del grupo (todos contribuyen con al menos un tema de composición propia) nos vamos a encontrar con temas de Michael McGoldrick, Donal Lunny, John Doyle, Soig Siberil, Cormac Breatnach, Maurice Lennon, Phil Cunningham, Brendan Ring o Brian Finnegan. Toda una serie de grandes compositores modernos.

Y si dentro del eclecticismo extremo del disco (con temas irlandeses, escoceses, bretones, macedonios...) el que escribe no se hubiera quedado conforme, Guidewires incluye en el cd dos temas que le hacen remoto partícipe del trabajo. El primero es el ya conocido Marga's Moment de Brian Finnegan, cuyo nombre tiene origen en las sesiones de Oviedo, y el segundo es una versión del arreglo de Pepín de Muñalén del tema asturiano Cariáu Llaniscu, que llega a Guidewires a través de la grabación de Llangres del mismo tema en el cd Esnalar. En definitiva, es un cd hecho casi a medida de un servidor.



No hace falta decir que la calidad instrumental de los músicos es sencillamente exagerada, que los arreglos son inteligentes y que no hay absolutamente nada que suene fuera de lugar. El que no se lo crea después de escuchar el tema anterior puede comprobarlo en las muestras de sonido que hay en el Myspace de Guidewires.

Hasta su salida oficial al mercado en Septiembre, el cd sólo se puede adquirir a través de la web del grupo. Sin duda uno de los grandes cds de este año. Sólo nos queda encontrar la oportunidad para verlos en directo pronto.

Clip de la grabación del cd debajo (más vídeos)

Cds: Gary Innes & Ewan Robertson - Shouts

2009, PD Productions, 11 temas, 42 minutos.

En los últimos años no se ven demasiados discos de acordeón piano, y parece que casi todos los que aparecen están centrados en una serie de intérpretes escoceses alrededor del grupo Box Club. El disco que hoy nos ocupa no podía ser menos. El dúo de los escoceses Gary Innes (Box Club, Darien Project) al acordeón y Ewan Robertson (Breabach, BBC Radio Scotland Young Traditional Musician of the Year Award) a la guitarra y a la voz nos trae un trabajo interesante y variado. El dúo se acompaña de una serie de músicos que... no tenemos muy claro quienes son pues no aparecen en los créditos del cd, probablemente a causa de algún despiste. Fiándose un poco de los agradecimientos, e investigando por internet podríamos aventurar que los músicos invitados son Ruaridh Campbell (violín), Martin O'Neill (percusión), Duncan Lyall (bajo), Patsy Reid (violín, arreglos de cuerda), Emily Smith (coros) y Angus Lyons (teclados, productor), pero es posible que se nos quede alguno en el tintero.


A grandes rasgos podríamos dividir el cd en tres tipos de temas: instrumentales frenéticos con melodías de nueva composición (3), instrumentales tranquilos (3) y canciones (4). Los instrumentales rápidos marcan un poco la tónica del trabajo, pero no son tantos como para que podamos encasillar el cd como "sólo música rápida". La práctica totalidad de los instrumentales están compuestos por Gary Innes y recorren una buena cantidad de tonalidades, de forma que el cd evita la cierta sonoridad tonal monótona en la que a veces caen los cds de acordeón diatónico, simplemente por limitaciones del instrumento. Como buen ejemplo, el tema que abre Shouts, con un título espectacular I can't Sing Tonight, I have Left My Teeth at home.



Para que no digan que todo es velocidad y poca sutileza, el duo demuestra su sensibilidad en varios temas tranquilos entre los que destaca Camanacho Cup, que conmemora un partido de fútbol y demuestra que se puede dedicar un tema a lo que a uno le apetezca.

Lo que realmente marca la diferencia en el disco son las cuatro canciones y la voz de Ewan, que además de ser un músico de acompañamiento fuera de lo común, es capaz de transmitir perfectamente su personalidad a través de los temas cantados. Ewan es una de esas personas contagiosas en el buen sentido de la palabra. Basta escuchar Beeswing, un tema de Richard Thompson, o Magdalene Green para darse cuenta de ello.

Shouts concluye con una versión del archiconocido Auld Lang Syne. Este es un tema arriesgado de versionar, sólo por lo manido que está, e incluirlo en un disco es un verdadero riesgo. Por una parte puede servir como reclamo para el posible comprador no habitual, por otra puede ser un detrimento a los oidos de los habituales del género. Pero si juntamos la voz de Ewan con un arreglo precioso de piano y violines, el tema es seguro del agrado de todo lo que tenga una sensibilidad musical ligeramente mayor que un muro de ladrillos.



Por si fuera poco, el cd tiene un bonus track gracioso y desenfadado. El que quiera saber lo que pasa cuando suena un móvil en plena sesión de grabación de esta gente va a tener que comprar el cd...

Shouts se puede adquirir a través de Musicscotland.com y de Footstompin' o descargar a través de iTunes.

CDs: A Briga - Sul Tempo

2009, 13 temas, 52 minutos, autoproducción

A medida que pasan los años uno va contactando a través de internet con músicos de distintas partes del mundo que comparten una misma afición: el amor a la buena música. Así, hay unas cuantas personas que, a pesar de no tener una verdadera relación directa conmigo, a base de correos, mensajes, cartas, intercambios y alguna llamada telefónica que otra acaban convirtiéndose en poco menos que amigos.

En esta situación está Davide Baglietto, un gaitero y multiinstrumentista italiano que forma parte del grupo A Brigá. A Brigá es la unión de cinco músicos provenientes de distintos trasfondos musicales (folk francés, irlandés, pop o swing, por ejemplo) que se juntan para recrear melodías y canciones de la tradición italiana. Sul Tempo (que se puede traducir como "Al tiempo" o "con buen ritmo") es el primer cd del grupo, aunque no es ni mucho menos la primera experiencia discográfica de ninguno de sus miembros. Alex Rasso (guitarra, bouzouki), Marta Giardina (voz), Robert Aymot (musette, clarinete, voz), Luca Pesenti (violín, mandolina) y Davide Baglietto (musette, low whislte, percusiones) tratan de crear un trabajo en el que el denominador común es la música pensada por y para el baile. Junto a ellos, una buena cantidad de amigos y conocidos que colaboran en la grabación con percusiones, contrabajo, coros, saxo, cello y otros instrumentos, entre los cuales podemos destacar el bouzouki de Fernando Oyágüez, de Felpeyu.

El resultado es un disco que es a la vez altamente ecléctico, donde se ven influencias de los distintos músicos y de los distintos estilos que dominan, y tremendamente uniforme, con un estilo propio característico de esos que muchas veces sólo aparecen cuando los músicos llevan conviviendo y tocando juntos durante años. La verdad es que uno no domina en absoluto la música tradicional italiana, pero esto es una buena muestra para ir creando una toma de contacto con las músicas de la zona. Entre los temas instrumentales encontramos melodías de la zona Toscana, de Piamonte, de Lombardía y de Liguria, además de composiciones originales al estilo de bourrées, schotisches o incluso de origen francés.

En la parte instrumental encontramos que algunos temas se asemejan sobremanera al estilo de melodías del norte de la Cornisa Cantábrica, por lo que resultaran al menos familiares en estilo para la gente de la zona. Los temas cantados son probablemente lo mejor del cd. Incluyen una canción infantil sobre un camello y un dromedario que tienen celos el uno del otro y que A Brigá convierte en un schottische. La joya del cd es probablemente E L'Emilia Va A Robi, una canción de Lombardía que cuenta la historia de una pareja de amantes que se acaban suicidando a causa de las diferencias entre sus familias. Una preciosa forma de desarrollar un buen arreglo vocal.



El disco tiene también su lado transgresor con Don't Let Me Be Mischapelloise, un set de tres melodías dedicadas a la chapeloise, un tipo de baile en círculo practicado por toda Europa Central, en el que se permiten ir dando un paseo por las distintas influencias de los miembros del grupo. Y también hacen una versión del Hallelujah de Leonard Cohen para cerrar el disco, probablemente por razones sentimentales, y un remix disco-techno de uno de los temas del cd.

Algo diferente a lo que solemos ver en estas páginas, pero no por ello menos interesante. Y con una portada original, como se puede ver.

Cds: Beoga - The Incident

2009 Compass Records, 11 temas, 42 minutos

The Incident es el tercer trabajo del grupo irlandés Beoga, que irrumpió en la escena folk internacional hace sólo unos pocos años con sus dos trabajos anteriores.

En los últimos tiempos nos encontramos muchas veces con grupos que sorprenden en su debut, bandas que ofrecen una perspectiva nueva con su forma de entender la música tradicional pero que una vez que se consolidan pierden un poco ese aspecto novedoso que las definía y se convierten en poco más que otra pieza más del montón. Afortunadamente no es el caso de Beoga, que sigue conservando esa novedad y esa frescura a través de sus grabaciones y, sobre todo, de sus directos.

The Incident es un cd que rezuma alegría la transmite de forma alarmantemente contagiosa. La banda conserva la formación que tenía en Mischief, con los cuatro miembros fundadores, Liam Bradley (piano, teclados, triángulo), Damian McKee (acordeón), Sean Og Graham (acordeón, guitarra, bouzouki, low whistle, banjo) y Eamonn Murray (bodhran, percusiones) junto a Niamh Dunne (violín, voz principal) que ya apareciera en el segundo cd del grupo. Como invitados encontramos a un montón de músicos de los que tenemos muy poca información, lo cual no está del todo mal.

Como siempre, los sets instrumentales del grupo van desde lo frenético hasta lo realmente acogedor y tranquilo. El primer tema, Lamped, hace referencia a la original portada del CD, en la que aparecen 5 lámparas de mesa, una por cada miembro del grupo. El set comienza de forma relativamente extraña, con una melodía que no podemos encajar muy bien en ninguno de los géneros al uso, aunque es relativamente parecida a una polka. Rompiendo un poco con el esquema típico de set que todos tenemos en la mente después de escuchar montones de discos similares, nos encontramos con una extraña parada que desemboca en dos temas frenéticos al estilo Beoga y el último se llama Silly Batteries. No es un argumento muy válido, pero la verdad es que a algunos nos encantan los temas con nombres estúpidos. El hecho de que la melodía sea buena ayuda, eso sí.



The Flying Golf Club sigue la tónica de los nombres tontos, en cierta forma rememorando el palo de golf que salió volando de las manos de Damian McKee en una visita a un parque de atracciones. Tranquilos, que este es sólo el primer ejemplo de la destrucción que Mr. McKee es capaz de causar. Polkas y reels para todos. The Bellevue Waltz es un vals del interprete de concertina Ciaran O'Grady, buen amigo del grupo, que Beoga lleva a terrenos insospechados. Lo que en principio es un tema tranquilo se transforma de manera radical cuando los músicos se dejan llevar y acaba convirtiéndose en una especie de melodía épica, con orquestación y sólo de guitarra incluidos. Esta gente no se aburre.

De The Incident y Three Chairs Magoo ya hablamos en su día cuando hicimos el avance del Cd. Uno sigue lamentándose por haber grabado el momento de la destrucción de las dos sillas...

Los temas cantados son, como siempre, lo más ecléctico del grupo. Primero encontramos Mary Danced with Soldiers, una canción al uso que habla de dos amantes que se tienen que separar y que, como pasa muchas veces, no tiene un final feliz. Strange Things se adentra en los otros estilos a los que Beoga acostumbra a hacer pequeños guiños, en este caso tirando más al soul. On the Way, una canción dialogada escrita y cantada por John Echo, un cantante de Derry, invitado de la banda, y Niamh Dunne. El carácter moderno más cercano al pop recuerda a algunos de los temas cantados con invitados que últimamente hizo Sharon Shannon. La canción habla de una discusión que una pareja tiene mientras viaja en coche hasta Donegal. Por último, The Best is Yet to Come, lo mejor está por venir, de Clifford T. Ward. Una gozada de canción para cerrar un trabajo redondo.



Los que tengan oportunidad de ver a Beoga en directo, ya sea este fin de semana en Secadura o cuando vuelvan por la Península (en verano, esperemos), no deben desperdiciar la ocasión. Grupos como este sirven para cargar las pilas.

CDs: LAU - Arc Light

Navigator Records 2009, 10 temas, 55 minutos.

LAU fue uno de los grupos revelación de los últimos años. El trío se las arregló para hacer lo que en otras ocasiones requiere una formación completa. Por separado, los tres componentes son pequeños genios. En conjunto crearon magia en el primero de sus cds, Lightweights & Gentlemen, prosiguiendo en la misma línea con una grabación en directo el año pasado.

Sin embargo, Arc Light rompe un poco con lo que han hecho anteriormente. Quizá en un afán de no resultar repetitivos o formuláicos, LAU han tomado una dirección diferente. En este cd, los tres músicos se separan un poco de los sets de piezas instrumentales al uso tradicional, prefiriendo crear melodías más encaminadas a la formación de ambientes musicales, de menor complicación técnica pero mayor complejidad en estructuras. Aidan O'Rourke (violín), Martin Green (acordeón) y Kris Drever (voz, guitarras) siguen siendo músicos como la copa de un pino, pero esta vez han buscado hacer algo diferente.

Arc Light no se puede escuchar de la misma forma que Lightweights & Gentlemen. Sigue siendo una gran obra de arte, pero se convierte en un cd más apropiado para tener de fondo que para prestarle toda la atención mientras se escucha. El primer tema, The Burrian, ya deja claro de qué va la cosa. Ambientes sonoros más oscuros y sonoridades que se parecen, hasta cierto punto, a la época buena de Mike Oldfield. Precioso, pero diferente.



Horizontigo es un tema parecido, con una primera parte tranquila compuesta por Drever y un tema rápido de O'Rourke. Hasta ahí todo bien, pero entre uno y otro hay un puente que dura un minuto y medio en el que apenas pasa nada. Dos acordes tenidos y un ritmo que va creciendo poco a poco. Perfecto para una banda sonora, pero no es lo mejor del grupo.

Slaty Boys ya vuelve a lo que LAU nos tenía acostumbrados, destacando la melodía de Drever que termina el set. The Banks of Marble ya había aparecido en el cd en directo, pero esta vez aprovechan para añadir pequeños detalles diferentes gracias al trabaj de estudio. La voz de Kris Drever es, como siempre, un regalo para los oídos, especialmente en el bonus track, una versión de Dear Prudence de Lennon y McCartney. Como melodía, podemos destacar también la segunda parte de Shepherd's, Plot N. 12, un tema endemoniado de O'Rourke.



Como novedad, el cd incluye una pequeña colaboración del trio de Corrina Hewart, Karine Polwart y Annie Grace, que aportan coros en momentos puntuales del disco, y Stuart Nisbet (pedal steel). La carátula del cd es también muy original, con los tres músicos ataviados con grandes gafas, soldando algo encima de un yunque. Un yunque en una portada de un cd de folk. Fenómeno.

Arc Light quizá no ha cumplido con las tremendas expectativas que nos habíamos marcado para este grupo, pero de ningún modo es un trabajo mediocre. Sencillamente, es diferente. Merece la pena darle una oportunidad, especialmente si la formula de jigs y reels os parece ya un poco pasada.

CDs: Naheba - Vau Cureñas

2008; Artimaña Records; 11 temas; 44 minutos.

Con el folk cántabro sucede una cosa bastante curiosa. Después de la escisión en Luétiga que llevó a la creación de Atlántica, casi todos los grupos que fueron surgiendo en Cantabria siguieron un poco el camino que seguían los pioneros: una búsqueda de un sonido propio tratando no sonar parecido a lo que se estaba haciendo en otros sitios de forma consciente y deliberada. Había cierto miedo a que la música cántabra se pareciera a la música asturiana, a la gallega o al la vasca y se perdieran las características distintivas propias.

A primera vista el buscar el sonido propio es admirable, pero llega un momento en el que lo que hacían los grupos principales de la región a muchos (y visto desde fuera) nos parecía hasta cierto punto estancado. Al cerrarse a otras influencias con la excusa de la preservación también se cierra en buena manera la posibilidad de una evolución sana y natural.

Afortunadamente, en los últimos años la cosa ha ido cambiando. Los nuevos grupos que surgen sí que han experimentado una necesidad de hacer evolucionar la música de Cantabria. Para ello han sabido mirar más allá de los límites geográficos, pero también han adquirido un compromiso realmente fuerte: no difuminar lo propio. Así surgen un montón de bandas que han sabido coger ciertos elementos del llamado folk céltico (sobre todo la sincopación y la estructura de los temas instrumentales en sets). Buenos ejemplos son Cambera'l Cierzu, Cahórnega o el grupo que hoy nos ocupa, Naheba.

Vau Cureñas es el primer cd de Naheba, una formación que reune a cinco excelentes músicos. El grupo está compuesto por Rafa Ibáñez (guitarras), Javier García (bouzouki, flauta), Javier Román "el Niñu" (violín, voz), Sergio Sordo (gaita, flauta, whistles) y José Luis R. Magdaleno (bodhran, voz). Junto a ellos aparecen una serie de músicos invitados en ocasiones provenientes de otros grupos: Jorge Ibáñez (Garma, Corquiéu) al bouzouki, Chus Gancedo a la batería, David Matéos "Puru" (Corquiéu) al udu, Sergio Higuera al bajo eléctrico, Daniel Álvarez (Corquiéu, Blima) a las flautas, Gonzalo de Vallejo (Cambera´l Cierzu) al violín y Javier López "Javeta" a los teclados.



A nivel meramente instrumental e interpretativo podemos decir que Naheba es sin duda de lo mejor que ha salido de Cantabria en muchos años. La inseguridad instrumental o el titubeo sonoro que muchas veces aparecen en las primeras grabaciones de muchas formaciones no se encuentran por ningún lado en esta ocasión. Los 5 temas cantados tienen un marcado sabor autóctono e incluyen una versión del tema La Molinera, del que existen multitud de versiones a lo largo de toda la Cornisa Cantábrica. A veces resulta difícil ser capaz de aportar algo nuevo con un tema tan conocido, pero Naheba se las arregla para hacerlo sin problemas. Destacar también Libertad, el tema que cierra el cd, que se acerca más a sonoridades propias del pop y recuerda a temas míticos del folk-rock ochentero para difundir un mensaje a favor de la vida fuera de la ciudad.

Como ya se ha dicho, los sets instrumentales son de primer nivel desde el punto de vista técnico. A nivel creativo ya depende de cada uno. Algunos de los temas pierden un poco al tener estructuras poco regulares (temas con una frase de 4 compases y otra de 5, por ejemplo), pero eso es una cuestión de gustos, absolutamente personal y que en muchos casos se limita a reproducir lo que es el tema tradicional. Podemos destacar Sixto, grabado en riguroso directo. Más bien habría que decir que está grabado en un impecable directo (aunque al final de tema uno de los miembros del grupo admite que tuvo por ahí "yo una sólo, inapreciable". Tan imperceptible como que no se encuentra el fallo por ningún lado. Música potente y siempre efectiva.



La mezcla del disco resulta en ocasiones quizá demasiado comprimida y es posible que se haya hecho así a propósito tratando de emular el sonido de discos antiguos del género. La sonoridad global del disco (y especialmente el uso de una reverb muy particular en los whistles) recuerda a grabaciones clásicas de grupos como Labanda. Curiosamente, el tema grabado en directo tiene una mezcla diferente, mucho más sólida y potente.

Vau Cureñas sufrió largos retrasos debidos a fallos de impresión en el libreto, pero la espera mereció la pena. Un disco excelente con el que se puede comprobar la excelente salud del folk cántabro. Cuando los músicos de Naheba decidan grabar un segundo trabajo van a tener que emplearse a fondo. Van poniendo el listón bastante alto.

CDs: Tony McManus - The Maker's Mark

Greentrax; 2008; 15 temas; 54 minutos

The Maker's Mark es el cd que todo gran guitarrista desea grabar. Imaginad encerrarse en un estudio de grabación en Nashville, Tennessee, con una fortuna en guitarras para grabar lo que uno quiera. Esto es lo que sucedió con Tony McManus en este proyecto discográfico. La infraestructura instrumental fue puesta por Paul Heumiller, de Dream Guitars (una tienda de Asheville, Carolina del Norte), que fue el proveedor de las 15 guitarras que se usan a lo largo del disco. Originalmente concebido como una herramienta promocional de la tienda, el cd se ha convertido en una verdadera obra de arte.

Por supuesto, McManus está en su forma usual. Condenadamente perfecto y con un buen gusto que parece no tener límites ya sea al escoger temas o al tocarlos. El disco se compone de 15 temas de muy diversa procedencia, cada uno tocado con una guitarra diferente exceptuando el último, en el que aparecen todos los instrumentos que ya han sonado anteriormente.

El disco no sólo es excepcional a nivel musical. Es también una gran fuente de información. Cada tema viene acompañado de una explicación en el libreto donde se detalla la guitarra que se usó, su afinación, datos del constructor y una fotografía de la misma, además de los consabidos datos y comentarios sobre la parte musical.

En su ya conocida faceta ecléctica, McManus va cogiendo temas de todo lo que pueda tener que ver con el mundo de la música tradicional del Arco Atlántico y va también más allá. Ya hemos hablado de su versión del Chalaneru, aprendida a partir de un concierto de Tejedor con Chus Pedro que vio en directo. McManus no se asusta al visitar otras tradiciones similares, tocando por ejemplo un set formado por el tema Doina, del bretón Jacky Molard, seguido de un baile tradicional búlgaro aprendido de Nikola Parov, ambas tocadas con una interesante guitarra con resonadores de sitar. Le Reel de la Sauvagine es un viejo clásico de Michel Bordeleau que muchos conocemos de La Bottine Souriante. McManus también se va hasta Sudáfrica para hacer una versión de uno de los emblemas musicales de la lucha anti-apartheird, N'Kosi Sikelele Afrika, y se permite tocar un madrigal del siglo 17, Si Dolce e´l Tormento, aprendido del italiano Beppe Gambetta.

Por supuesto, el resto del cd está compuesto de temas un poco más al uso, con melodías relativamente conocidas y un marcado sabor escocés (incluyendo un ya inevitable set con marcha, strathspey y reel. Temas como Donal Og, The Lochaber Dance, The Rolling Waves, Chloe's Passion o Muireann's Jig siguen la línea que McManus llevaba hasta ahora: guitarra solista tocada con los dedos (sin púa) en una buena cantidad de afinaciones y con una habilidad absolutamente fuera de lo común.



Tres temas que merecen también nuestra atención son la versión del Coast River de Donal Lunny (tocado con una guitarra barítono preciosa) y la interpretación de McManus del arreglo de The Maids of Michellstown de la Bothy Band. Un tema ya mítico dedicado a la memoria de Michéal Ó Domhnail.

El cd termina con Le Valse des Bélugas de André Marchand, en el que suenan las 14 guitarras usadas anteriormente más una pequeña guitarra de 12 cuerdas más parecida a una mandolina que a otra cosa. Una maravilla.



Un cd relativamente tranquilo pero indispensable.

CDs: Cara Dillon - Hill of Thieves

Charcoal Records, 2008, 11 temas, 45 minutos.

La evolución de la música de Cara Dillon en la última década es poco menos que impresionante. La cantante de Dungiven pasó de ser parte del grupo Oige a mediados de los 90, estando un poco bajo la estela de su hermana, Mary Dillon del grupo Deanta, hasta ser una de las figuras más reconocibles del mercado folk del Reino Unido. Por el camino pasó por el grupo Equation y estuvo varios años bajo contrato con Blanco y Negro Music, grabando proyectos destinados a encontrar un nuevo superventas pop pero que nunca llegaron a publicarse y participando en el Tubular Bells III de Mike Oldfield. Después de independizarse de la multinacional fue cuando la carrera musical de Cara Dillon adquirió la relevancia que merece.

Ahora, después de 3 discos y un DVD, el excelente Redcastle Sessions, Cara vuelve a sus orígenes con Hill of Thieves. El cd fue publicado en Charcoal Records, la nueva compañía discográfica de Cara Dillon junto a su marido Sam Lakeman y representa un claro retorno a las raíces tradicionales de la cantante. El disco está formado por 11 temas, de los que 9 son tradicionales, uno de composición propia y otro que junta ambas partes (un tema tradicional con una añadido final de nueva composición).

A nivel musical y creativo no se puede decir más de la música de Cara Dillon. Arreglos sencillos, sobrios y muy efectistas, voces estupendas que sugieren a la vez delicadeza y seguridad, y un nivel instrumental envidiable. Cara Dillon canta y, en esta ocasión, añade un whistle en uno de los temas. Junto a ella está su marido y compañero musical Sam Lakeman (piano, guitarra, percusión, bodhran y producción del cd), Brian Finnegan (whistle, flauta), James O'Grady (whistle, gaita irlandesa), John Smith (mandola, guitarra), Eamon Murray (bodhran), Ben Nicholls (contrabajo), Sean Lakeman (guitarra), Zoë Conway (violín), Ed Boyd (guitarra), James Fagan (bouzouki-guitarra) y Seth Lakeman (coros, guitarra tenor, violín).

El disco comienza con el tema que le da nombre, Hill of Thieves, que es el único tema de verdadera composición propia. Sin duda, es uno de los mejores temas del trabajo, con una dinámica espectacular y ayudado por la inclusión de la primera parte del tema instrumental The Lochaber Badger de Fred Morrison. Un verdadero temazo de los que hacen historia.



Con algunos de los temas tradicionales, siendo tan buenos como son, se pregunta uno cual es el verdadero motivo para su inclusión. Por una parte hay unos cuantos que no son especialmente conocidos y otros en los que queda claro el motivo de su aparición en la grabación. En la primera categoría podemos incluir The Lass of Glenshee o The Verdant Braes of Skreen. En la otra nos encontramos con las regrabaciones de dos temas que llevan años en el repertorio de Cara Dillon y que no han llegado a plasmarse en disco. False, False y Spencer the Rover son favoritos personales, conocidos a través de grabaciones en directo de los conciertos de la cantante, que por fin se ven grabados en un disco. False, False es un tema tranquilo pero cargado de energía gracias a una linea de violín de Zoë Conway. Spencer the Rover es una gozada de tema en la que sigue patente la relación de mutuo beneficio que existe entre Seth Lakeman y Cara Dillon, que aparecen mutuamente en los trabajos del otro de manera sistemática.

Existe un tercer tema que sí que llegó a grabarse en un cd en su día. P Stands for Paddy formaba parte del repertorio de Oige en su día y se puede ver el interés en retomar la canción y ver cómo ha podido evolucionar en casi 15 años. Este es el tema que tiene una parte final de composición propia, buscando más la creación de una atmósfera musical determinada y dejando a un lado la estructura del tema tradicional. Interesante.



Sin embargo, hay un par de temas que están quizá demasiado vistos como para incluirlos en un cd original sin tener un motivo que vaya más allá. The Parting Glass y, especialmente, She Moved Through The Fair son temas que están más vistos que el tebeo. A pesar de que Dillon se las arregla para hacerlos interesantes, cabe preguntarse si están en el cd sólo para que el comprador casual conozca algo de lo que está comprando y se identifique con ello o si verdaderamente resultan artísticamente sugerentes para la cantante. Viendo el resultado, puede ser perfectamente lo segundo, pero tengo mis dudas.

Aún así, en un dato improbable y casi anecdótico, compensado perfectamente por la versión a capella de Fil, Fil a Ruin Ó que cierra el trabajo. Cara Dillon sigue subiendo el listón de calidad cada vez que saca un trabajo nuevo. A este paso vamos a tener que comprar postes nuevos.

CDs: Gatos del Fornu - Na Cai

Comentario de CD aparecido originalemente en el Anuariu de la Música Asturiana 2008, editorial Ámbitu.

FonoAstur; 2008; 11 temas; 41 minutos.

El segundo CD de Los Gatos del Fornu es un trabajo que, antes de escucharlo, despierta en mí mucho interés y aún más curiosidad. Considerando que fui miembro de la banda hasta justo la salida del primer CD y que procuré ser parte del proceso creativo en la mayor medida posible en ese trabajo. Na Cai, además de ser un trabajo más de tantos de los que aparecen en el mundo de la música asturiana, es para mí la respuesta a una pregunta que siempre se te pasa por la cabeza cuando te separas de un proyecto: ¿Qué tal les va sin mí? Afortunadamente, por lo que se ve y se escucha, les va muy bien.

Los Gatos es un grupo surgido a partir de una formación de bandina tradicional que ha ido poco a poco evolucionando hacia una formación más cercana al grupo folk asturiano típico, pero que supo no abandonar del todo su primera encarnación. En Na Cai, los Gatos siguen conservando elementos de bandina aunque los arreglos son cada vez más elaborados.

El núcleo de músicos que forman el grupo desde su primera época son Guillermo Pérez (gaita, whistles), Miguel Ángel Fernández (acordeón diatónico), Daniel Díez (guitarra), Moisés Cortina (tambor y cajón) y Raúl Alonso (pandero y pandereta). Junto a ellos están los miembros más recientes: Silvia Quesada (voz principal, panderetas), Rubén Bueno (flauta, whistles, voz), Moisés Álvarez (bouzouki) y Luis Senén Fernández (bajo). A pesar de tener una formación tan grande, aún hay sitio para colaboradores, destacando el contrabajo de Horacio A. García, el clarinete de Indalecio Santos, antiguo miembro del grupo, las voces de Herbamora y las percusiones de Jim Sutherland.

Sutherland es también el productor, y su mano se nota. El escocés ha trabajado con grupos de la talla de Shooglenifty y es el alma mater de proyectos de gran envergadura, como la actual Banda Europa, una orquesta folk con miembros de gran cantidad de nacionalidades. Los primeros miedos que me asaltaron cuando me enteré de que Sutherland iba a ser el productor fueron afortunadamente infundados. Con dos percusionistas en la formación de los Gatos y el conocimiento del tremendo amor de Sutherland por las percusiones, el disco tenía buenas posibilidades de acabar con demasiada percusión. Sin embargo, la experiencia y el buen gusto de grupo y productor prevalecen.

Probablemente es la voz de Silvia Quesada la que más ha ganado con la producción de Sutherland, no sólo a nivel de técnicas de grabación, sino también a nivel conceptual. En las notas del libreto nos enteramos de que el segundo tema del disco, Mar, iba a ser una de las canciones más movidas del disco, pero Sutherland descubrió en él un excelente tema tranquilo. Comenzando sólo con voz y cuerdas, poco a poco se va añadiendo el acordeón y los whistles, que van acompañando levemente la melodía con fragmentos y arreglos de algunos de los temas tradicionales asturianos más conocidos. En Oviedo no me Caso o Se Oye Sonar Una Gaita podrían resultar pesados una vez más, pero insertados con buen gusto redondean una de las mejores piezas del disco.



El proceso contrario le pasó al Temperendengue, que comenzó siendo un proyecto de tema lento y que aparece ahora como un medio tiempo mucho más interesante precedido por el Penamourán, una versión de Agua de la Fonte Clara de Pepín de Muñalén (Tuenda). Los Gatos del Fornu continúan creando comunidad global en el mundo del folk asturiano en Ramu, donde interpretan junto a las pandereteras de Herbamora un arreglo de un Ramu tradicional del oriente asturiano con un arreglo de Gabriel González Guerra, en otra época bouzoukista del grupo y ahora más bien apartado de la escena folk. Un arreglo sencillo y efectista que el grupo hizo muy bien en conservar y que se completa con una marcha de composición de Miguel Ángel Fernández, en la que se une al grupo la Banda de Gaitas Xiranda. Es uno de esos temas con los que se demuestra que la sencillez tiene muchas veces mucho más valor que el virtuosismo.



Siete temas cantados y cuatro instrumentales componen los cuarenta minutos del disco, demostrando la importancia de la voz solista de Silvia y la de Rubén Bueno, especialmente en Careo, una de las pocas canciones dialogadas reelaboradas por grupos de folk en Asturias. Saldiguera, Xota Xedré, La Danza y Son d‘Arriba completan los temas cantados acercándose más a la parte más tradicional, especialmente este último. Con sólo voz solista y pandereta, este tema se queda casi para transmisión oral, pues no hay mención alguna de él en el libreto.

A nivel personal uno puede ponerle algunas pegas a algunos temas. La Xota Xedré parece un poco acelerada y probablemente ganaría bastante con sólo bajrle la velocidad un par de puntos. Algunos de los temas instrumentales compuestos por miembros del grupo son víctimas hasta cierto punto de uno de los grandes males del folk asturiano: algunas acaban siendo casi simples sucesiones de notas que reproducen esquemas similares a los de los temas tradicionales típicos, sin buscar una identidad melódica que los diferencie del resto. La Sota, los dos Saltones de la Arena o el final de las Muñeiras de Montecerrao pueden ser ejemplos de esto, pero es ya sólo cuestión de gustos y del nivel de exigencia con el que se escuche el disco. Se puede disfrutar de todos esos temas de igual manera.

Hay que hacer mención especial a lo original del diseño de las carátulas, con fotomontajes de un gato hecho a la manera de un pequeño muñeco de LEGO recorriendo algunos rincones de Oviedo y Avilés y un antiguo mapa de Oviedo que sirve de fondo a los textos del libreto.

Hay que tener en cuenta que el disco lleva grabado desde Septiembre de 2007 y que su salida se retrasó casi un año por diversos motivos logísticos, por lo que el grupo sin duda ya ha evolucionado desde entonces y probablemente nos encontremos con unos Gatos más frescos y con más ganas de hacer llegar su música al público. Los Gatos del Fornu han sido especialmente fieles a su directo en este disco. Al contrario de lo que pasa a veces, lo que se oye en el CD (colaboraciones puntuales aparte) es lo que se puede oír en uno de los directos del grupo. Una excelente muestra de la etapa actual de la banda y de su evolución.

CDs: DRD - DRD

L'Aguañaz; 2008; 12 temas; 43 minutos.

En la pequeña avalancha de discos que aparecen en estas fechas destaca, como ya lo hizo su primer trabajo, el nuevo cd del trio asturiano DRD.

Surgido a raíz de los conciertos que se celebraron en el ciclo de Folk de Cámara en Gijón en 2003, DRD tomaba el nombre cogiendo la inicial del nombre de cada uno de sus miembros. Después de la salida de Diego Pangua del grupo, la formación no ha cambiado el nombre a pesar del cambio de inicial con la entrada de Borja Baragaño (desechando el evidente DRB en favor de la continuidad). Baragaño (flauta), Rubén Bada (guitarra) y Dolfu R. Fernández (violín y voz) hacen un folk directo, sobrio y sin subterfugios extras. El trio no tiene ninguna necesidad de recurrir a elementos externos si entre ellos tres desarrollan un discurso musical absolutamente autónomo. DRD se permite, eso sí, colaboraciones puntuales, con Horacio A. García al contrabajo en dos temas y Sergio Rodríguez (TUTU) al bajo en otros tres, además de la sospechosa presencia (wink, wink) de Burka Barganaz (gaita asturiana, percusiones) y Xosé da Silva (mandolina, violín, coros y hammond) en momentos puntuales.

El segundo disco de DRD, curiosamente sin más título que el nombre del grupo, tiene como tema central el molino. El diseño del cd lleva como motivo de portada tres muñecas hechas con paja, que después aparecen destruidas en diversos lugares del libreto y las contraportadas. Los temas, que en anterior trabajo llevaban siempre nombres de adverbios en asturiano, en este caso llevan los nombres de las partes del molino, y dos de los temas cantados tratan de molineros o molineras.



De doce temas, cuatro son cantados. Uno de ellos junta dos danzas en las que se ha hecho un labor interesante de recopilación, ya que una procede de una grabación procedente de una asturiana emigrada a California. Moxeca es la interpretación original de DRD de uno de los temas que aparecieron en el disco TUTU Studio y que además sirve para mostrar la relación del trio con el concejo de Ayande (recordando el trabajo que realizaron Dolfu R. Fernandez y Diego Pangua junto a Xosé Ambás sobre la música de esta zona, en el que también colaboró Bada). Otro tema que ya nos es conocido es Ñora, un tema recogido por Ambás en Balmonte y que ya apareciera en una de las reinterpretaciones de Camín de Cantares. El último tema cantado, Péndoles, es una tonada que también recorrió medio mundo (esta vez desde Suiza) hasta acabar en el repertorio de DRD. Aquí tenemos a Dolfu cantando arropado por diversas flautas de Borja Baragaño, que aprovecha los recursos del estudio de grabación para multiplicarse.

A nivel instrumental DRD sigue siendo igual de sobrio que en su anterior encarnación o mejor (el tiempo mejora a los músicos igual que al vino). Los temas varían entro lo puramente tradicional, los arreglos basados en la tradición y los temas compuestos por Rubén Bada, Luís González o Fernando Largo. DRD sigue interesante tendencia que se da últimamente por Asturias, donde parece que se redescubre a los músicos clásicos de la primera época del folk asturiano ya sin miedo a hacer interpretaciones propias.

Lo cierto es que estamos ante un disco redondo, bien pensado y bien trabajado, con pequeñas joyas como el arreglo de guitarra de La Farola de Tazones en Raidoriu, las mudances de violín y flauta de Canxilones, magníficas en su sencillez, o la estupenda entrada de Branzal, que además de servir de inicio a un tema tremendo bien podría servir como la música de entrada de cualquier programa de televisión (al estilo de lo que es No Hay Tal Andar para Camín de Cantares).

DRD sigue consiguiendo encontrar ese punto intermedio entre la complicación que todo trabajo necesita para resultar interesante y la naturalidad y espontaneidad, que son características indispensables para la música tradicional.